Le Design Défilé met en lumière les enjeux de demain - Intramuros Magazine

[](https://www.intramuros.fr/) [](https://www.intramuros.fr/)[](https://www.intramuros.fr/maintenance) [](https://ebainteriors.com/?utm_source=rev&utm_medium=display&utm_campaign=rev_int_branded_colorestendencia_abr26&utm_term=728x090&utm_content=bc-colorestendencia-int)  [Actualités](https://www.intramuros.fr/category/actualites) / [Design](https://www.intramuros.fr/category/design) / Le Design Défilé met en lumière les enjeux de demain  ©MOFO\_Francesca Zama 20/4/2026 [](https://www.facebook.com/intramuros.design.magazine/) [](https://www.facebook.com/sharer/sharer.php?u=https://intramuros.fr/blog/le-design-defile-met-en-lumiere-les-enjeux-de-demain) [](https://www.pinterest.com/pin/create/button/?url=https://intramuros.fr/blog/le-design-defile-met-en-lumiere-les-enjeux-de-demain&media=https://cdn.prod.website-files.com/64e5b997fb8451552f7fd7c9/69e742f3ef6f39e49f815df1_Bannie%CC%80re.jpg&description=Port%C3%A9%20par%20le%20French%20Living%20in%20Motion,%20le%20Design%20D%C3%A9fil%C3%A9,%20sc%C3%A9nographi%C3%A9%20par%20l%E2%80%99agence%20JAKOB+MACFARLANE,%20met%20en%20avant%2053%20cr%C3%A9ations%20fran%C3%A7aises%20illustrant%20chacune%20les%20d%C3%A9fis%20auxquels%20le%20secteur%20du%20meuble%20doit%20aujourd%E2%80%99hui%20faire%20face.) # Le Design Défilé met en lumière les enjeux de demain Porté par le French Living in Motion, le Design Défilé, scénographié par l’agence JAKOB+MACFARLANE, met en avant 53 créations françaises illustrant chacune les défis auxquels le secteur du meuble doit aujourd’hui faire face. L’événement réunit ainsi, autour d’une ambition commune, des marques et des maisons engagées en faveur du made in France et de la durabilité. Au cœur de Brera se tient un défilé pas comme les autres. Initié par le French Living in Motion, l’événement regroupe, jusqu’au 26 avril, 53 créations françaises, dont 38 pièces de mobilier. Parmi elles, 28 marques se mobilisent pour défendre un ensemble ancré dans les enjeux contemporains de durabilité. _« Derrière l'appellation French Living, il faut bien comprendre que c’est une alliance entre l’ameublement français qui regroupe plusieurs marques pour les accompagner dans la mutation de la société, et le french design qui a pour vocation d’impulser l’innovation dans le secteur du meuble par le prisme du design. En d’autres termes, cette union, initiée en 2024, a pour vocation de faire rayonner le meuble français durablement. Et c’est tout le sens d’« In Motion » qui incarne cet esprit de dynamisme »_, explique Catherine Vereecke, directrice de la communication et des marchés pour l’Ameublement français.  ©MOFO\_Francesca Zama ‍ Le collectif a ainsi puisé dans un large éventail de PME et d’ETI, actives aussi bien dans l’hôtellerie que dans le résidentiel. La sélection se déploie en deux espaces. Pensé comme un premier aperçu de la création design, le French Design présente 15 pièces de mobilier, indoor et outdoor, signées notamment par Andrée Putman, Elliott Barnes ou OUD Architecture, et éditées par des fabricants français tels qu’Airborne, Atelier Sumbiosis, Maison Pouenat ou Siegeair. Cette sélection est complétée par une seconde, mettant en lumière 13 maisons françaises, patrimoniales ou contemporaines, chacune présentant trois pièces emblématiques de son identité. Une manière, pour des maisons comme Franck Genser, Mercœur Édition ou Sokoa, d’exposer l’étendue de leurs savoir-faire et la créativité qui les caractérise. Selon Catherine Vereecke, _« au-delà de la dimension patrimoniale, cette sélection a surtout été pensée pour envisager le mobilier comme une création en mouvement, en lien avec le corps, le geste et le temps »._  ©MOFO\_Francesca Zama ## ‍ Une scénographie à la mode Véritable fil conducteur de l’événement, la durabilité des pièces, tout autant que celle des entreprises et de leurs process, a incité les initiateurs de ce projet à faire de nouveau appel à l'agence JAKOB+MACFARLANE. Après avoir déjà collaboré à de nombreuses reprises avec le French Design, l’agence réinterprète cette fois-ci les codes de la mode. Reprenant l’idée d’un podium réalisé en bouleau et jouant avec la lumière, le duo s’est aussi et surtout penché sur la notion fondamentale du collectif : le mouvement. _« L’idée qui nous a guidé pour cette scénographie était la volonté d’interroger le design. Comment les gens le perçoivent-ils, qu’en retiennent-ils, qu’en attendent-ils dans un monde complexe de polycrise ? Mais l’enjeu était également celui de l’évolution. »_ Considérant que le mobilier est bien plus que fonctionnel et qu’il influe également sur le lieu, les designers ont imaginé mettre en scène le pouvoir des meubles sur l’espace et sur l’homme. Le visiteur est ainsi invité à cheminer le long du podium, qui traverse l’espace de la cour extérieure vers l’intérieur. _« Ici, rien n’est cloisonné. L’idée est de vivre le lieu au gré des éléments, en laissant libre cours à l’expression des savoir-faire. »_ Une manière de faire dialoguer les pièces et les savoir-faire, dont certains n’ont pas évolué depuis le XVIIIe siècle, mais qui se retrouvent aujourd’hui plus que jamais sous les projecteurs, à une époque où le sourcing local importe tout autant, sinon plus, que le geste traditionnel.  ©MOFO\_Francesca Zama       Rédigé par Tom Dufreix [Mobilier](https://www.intramuros.fr/tag/mobilier) [Made in France](https://www.intramuros.fr/tag/made-in-france) [FRENCH DESIGN by VIA](https://www.intramuros.fr/tag/french-design-by-via) [Ameublement](https://www.intramuros.fr/tag/ameublement) [Scénographie](https://www.intramuros.fr/tag/scenographie) ### Vous aimerez aussi [-27.png)\\ \\ temps de lecture : 03:03](https://www.intramuros.fr/blog/frederic-sofia-x-kettler-radical-et-sensible) 4/6/2026 [Frédéric Sofia × Kettler : Radical et sensible](https://www.intramuros.fr/blog/frederic-sofia-x-kettler-radical-et-sensible) Avec Latitude, Frédéric Sofia redonne souffle à Kettler, marque allemande emblématique du mobilier de jardin et du sport en sommeil. Une collection au design juste et sensible, dont le minimalisme efficace reflète autant la pensée du designer que l’esprit fondateur de la marque. Ses volumes francs, simples et géométriques, à rebours de toute démesure formelle, s’imposent avec une évidence tranquille. « Le design industriel, c’est une aventure affective qui engage toutes les parties, confie Frédéric Sofia. Je me suis très bien entendu avec cette marque patrimoniale quelque peu oubliée, et qui m’a offert tous les moyens humains, financiers et techniques nécessaires au projet. » Lancé il y a deux ans à peine, celui-ci a demandé une année intense de réflexion et de recherche, puis une autre consacrée à l’industrialisation. ‍ -23.png) _Chaises, collection Latitude, Frédéric Sofia, Kettler, 2025_ ‍ ## Réinventer une icône allemande Le brief initial était ambitieux : concevoir une famille de mobilier unie par un même langage formel destinée aux marchés contract – hôtellerie, restauration, espaces lounge ou piscine –, mais aussi, à terme, adaptable au retail et accessible aux amateurs de design. Chaises, fauteuils, tables, canapés modulables, bancs, repose-jambes, parasols, daybeds, sunloungers… Tout un vocabulaire du confort contemporain d’extérieur. Pour Sofia, le défi était double : répondre aux contraintes de la marque tout en imaginant une gamme cohérente et inédite, capable de redonner à Kettler une véritable identité, elle qui avait manqué le virage du design. « Kettler est une marque historique et populaire en Allemagne, explique-t-il. Je voulais trouver un design qui parle à ses racines, à l’échelle européenne. » Née en 1949 en Rhénanie-du-Nord-Westphalie, l’entreprise, forte de plus de soixante ans d’expérience, a d’abord conçu des équipements de loisirs – vélos, jouets comme le célèbre Kettcar (1962) –, avant de se spécialiser, dans les années 1970, dans le mobilier outdoor. Portée par sa philosophie de qualité, de durabilité et de confort, elle s’est rapidement imposée à l’international. ‍ -24.png) _Set de bar, collection Latitude, Frédéric Sofia, Kettler, 2025_ ## « Revenir à la source » Fidèle à sa méthode d’écoute, d’observation et de réflexion, Frédéric Sofia choisit de « revenir à la source ». Il oriente ses recherches vers une esthétique industrielle à la fois radicale et sensible : un design dépouillé, exigeant, précis, où la forme et la fonction se répondent. Entre l’esprit Wedge Design de Giorgetto Giugiaro, le créateur de la Golf 1 pour Volkswagen, et le fonctionnalisme humaniste de Dieter Rams (Braun), Latitude se déploie comme un manifeste de clarté et de justesse. La gamme affirme une personnalité discrète et novatrice. « Le noyau dur de la collection, c’est le bridge. Sur le marché du mobilier en métal, la demande de coussinage est forte mais souvent traitée après coup. J’ai donc imaginé, dès le départ, un système de coussins amovibles, intégrés au design et personnalisables selon les besoins du client. » ‍ -26.png) _Coussin amovible, collection Latitude, Frédéric Sofia, Kettler, 2025_ ## Un design durable, rationnel, technique Ainsi naît une collection d’une ampleur rare dans le mobilier outdoor, une des plus vastes du marché, selon le designer. Les premières versions, aux tonalités douces et poudrées (vert, gris clair, taupe), seront suivies d’autres coloris. Alliant la pensée honnête du créateur de la chaise Luxembourg éditée par Fermob à la rigueur industrielle allemande, Latitude célèbre l’amour de Sofia et de Kettler pour l’aluminium : durable, léger, sensible à la lumière. Fines et nervurées, évoquant une carte topographique, ses lignes sont constituées de pièces moulées sous pression (« die casting ») et d’aluminium extrudé – totalement recyclable, intégrant jusqu’à 50 % de matière recyclée. Robuste, réparable, intemporelle, la collection est conçue pour durer. Présentée en avant-première chez Silvera pendant la Paris Design Week et à Maison&Objet, Latitude inaugure pour Kettler une nouvelle ère : celle d’un design à la fois rigoureux, sensible, sobre, géométrique et radical. Latitude, ou le réveil de la belle endormie. « Le design industriel, c’est une aventure affective qui engage toutes les parties », confie Frédéric Sofia. ‍ -27.png) _Collection Latitude, Frédéric Sofia, Kettler, 2025_ [\\ \\ temps de lecture : 03:44](https://www.intramuros.fr/blog/festival-des-cabanes-architectures-refuges) 28/5/2026 [Festival des Cabanes : architectures refuges](https://www.intramuros.fr/blog/festival-des-cabanes-architectures-refuges) Derrière les murs de la Villa Médicis, les jardins historiques de l’Académie de France deviennent, chaque été depuis 2022, le théâtre d’une expérience singulière : celle d’une architecture qui ne cherche plus à dominer le paysage mais à dialoguer avec lui. Pour sa cinquième édition, le Festival des Cabanes confirme plus que jamais cette ambition. Imaginé par Sam Stourdzé, **directeur de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis,** le festival est né d’un paradoxe. Comment intervenir au cœur d’un site patrimonial parmi les plus sensibles d’Italie (classé, archéologique, quasiment inconstructible) sans figer davantage le lieu ? Comment faire entrer l’architecture dans les jardins sans les transformer en décor d’exposition ? La réponse prend la forme d’un mot presque enfantin : la cabane. « La cabane, c’est un mode de pensée », explique Sam Stourdzé. « On peut penser en cabane, habiter en cabane, cela déplace la perspective et requestionne les fondamentaux. » Derrière cette apparente simplicité se dessine pourtant une réflexion extrêmement contemporaine sur l’architecture : une architecture légère, réversible, non invasive, pensée non plus contre son environnement mais avec lui. Car ici, la contrainte devient manifeste théorique : impossible de creuser à plus de trente centimètres dans ce sous-sol archéologique, impossible également d’inscrire ces constructions dans la permanence. Les équipes invitées disposent de quelques mois pour construire, exploiter puis démonter leurs projets. Cette temporalité courte, presque fragile, inverse radicalement les logiques héritées du XXe siècle. À la monumentalité succède l’attention, au geste autoritaire une forme d’écoute du vivant. ## IT : De la légèreté d’être et de bâtir ‍ Cette année, six propositions internationales investissent les jardins de la Renaissance. Certaines relèvent du manifeste expérimental, d’autres d’une approche plus sensorielle ou climatique. Toutes interrogent cependant une même idée : celle d’un habitat capable de composer avec son milieu. Le projet le plus spectaculaire est peut-être _Il Duomo Invertito_ du studio belge Bento Architecture. Suspendu entre ciel et végétation, ce dôme filaire composé de bois et de mycélium détourne l’archétype monumental romain pour le transformer en structure presque immatérielle. Ses milliers d’éléments organiques destinés, une fois le festival terminé, à être simplement broyés pour retourner à l’état de poussière forment architecture biodégradable, littéralement À quelques mètres de là, _Aquifère_, imaginé par les studios PRÌA et VELIA, explore d’autres formes de sobriété. Travertin et jarres en terre cuite y composent un dispositif de refroidissement passif fondé sur l’évaporation naturelle. Plus qu’une installation, le projet agit comme une micro-infrastructure climatique, une tentative de réintroduire des savoir-faire ancestraux dans les villes surchauffées du présent. ‍  ‍ _Aquifère_, imaginé par les studios PRÌA et VELIA © M3 Studio  ‍ _Aquifère_, imaginé par les studios PRÌA et VELIA © M3 Studio ‍ Plus conceptuelle, la proposition développée par ECAL avec Mutina, sous le regard de Ronan Bouroullec, joue quant à elle du trompe-l’œil et de la perception. Une simple façade devient architecture, surface devenant profondeur. Là encore, le festival refuse les catégories figées : certaines cabanes sont des refuges, d’autres des dispositifs théoriques, d’autres encore des espaces de contemplation. ‍  Ecal © M3 Studio ‍ C’est sans doute ce qui distingue profondément le Festival des Cabanes d’une exposition d’architecture classique. Ici, les projets ne cherchent pas à démontrer une puissance formelle ou technologique. Ils assument au contraire une forme d’inachèvement, de recherche ouverte. « On n’est pas dans une logique commerciale, mais dans une logique culturelle », rappelle Sam Stourdzé. Le temps passé à expérimenter devient alors aussi important que l’objet construit lui-même. Cette philosophie transforme également le rapport du public à la Villa Médicis. Longtemps accessibles uniquement en visite guidée, les jardins s’ouvrent désormais librement durant toute la durée du festival grâce à un subtil dispositif scénographique conçu par le studio Marc Aurel, auquel nous avions consacré un article dans Intramuros 224. En cinq ans, l’institution a presque doublé sa fréquentation pour atteindre près de 150 000 visiteurs annuels. Plus encore qu’un événement architectural, le festival devient un outil de réappropriation du lieu, autant par les Romains que par le public international. Cette édition 2026 confirme enfin l’élargissement progressif du projet vers une plateforme culturelle plus vaste. Autour des cabanes gravitent désormais librairie éphémère conçue avec la Librairie 7L, conférences, ateliers, lectures, performances et concerts réunis sous le programme _Habiter Demain_. Le 25 juin, la _Nuit des Cabanes_ transformera ainsi les jardins en un paysage vivant où architectes, artistes, écrivains et musiciens activeront les installations jusqu’au cœur de la nuit. À mesure que les crises climatiques remettent en question les modèles de construction hérités du siècle dernier, le Festival des Cabanes apparaît moins comme une parenthèse estivale que comme un laboratoire grandeur nature. Une manière de rappeler qu’habiter ne consiste peut-être plus à construire toujours davantage, mais à apprendre, de nouveau, à occuper le monde avec légèreté. [https://villamedici.it/programme/festival-des-cabanes](https://villamedici.it/programme/festival-des-cabanes) ‍  Huttopia © M3 Studio  Salazarsequeromedina © Luis Díaz Díaz ‍ [\\ \\ temps de lecture : 02:47](https://www.intramuros.fr/blog/la-chaise-luxembourg-anatomie-dune-icone-contemporaine) 22/5/2024 [La chaise Luxembourg, anatomie d’une icône contemporaine](https://www.intramuros.fr/blog/la-chaise-luxembourg-anatomie-dune-icone-contemporaine) Créée en 2003 par le designer français Frédéric Sofia et éditée par Fermob dès 2004, la chaise _Luxembourg_ a su s’imposer avec discrétion et élégance aux quatre coins du monde. De la Bibliothèque Nationale de France Richelieu au Art Institute de Chicago en passant par le Humbolt Forum de Berlin, elle a su incarner l’art de vivre à la française et s’affirmer comme l’une des grandes icônes françaises du mobilier outdoor. Réinterprétation de la chaise historique _Sénat_ du Jardin du Luxembourg, elle s’inscrit dans une longue tradition du “redesign”, et s’en émancipe avec élégance par un design minimaliste et sensible, qui a su convaincre au-delà des frontières. ## Une genèse audacieuse pour un design résolument contemporain. Frédéric Sofia soumet dès 2003 à Fermob son idée de transformer en profondeur la chaise Sénat, dans laquelle il voit un terrain de création ludique et contemporain. Il souhaite faire basculer un objet peu confortable à la conception rudimentaire vers une véritable pièce design outdoor. Selon Frédéric Sofia, l’inspiration principale est la chaise _Sim_ de Jasper Morrison (créée en 1999 pour Vitra), elle-même un “redesign” de la _40/4_ de David Rowland (créée en 1964), saluée pour sa sobriété radicale. La chaise _Luxembourg_ s’inscrit également dans l’héritage de Philippe Starck et la lampe _Miss Sissi_ pour Flos (1991), dont la forme parle de mémoire collective, concept cher au designer. De ces influences naît la volonté d’explorer un design au croisement entre fonctionnalisme et biodesign, explorant l’équilibre entre rigueur géométrique et biomorphisme. ## Un design sensible, entre fonctionnalisme et biodesign. La chaise Luxembourg se caractérise par un design épuré, et s’émancipe résolument de l’icône patrimoniale qu’est la chaise Sénat. Ancré dans une recherche entre minimalisme industriel et sensibilité organique, les lignes deviennent aériennes, l’ergonomie est complètement repensée et la large gamme chromatique (26 coloris) s’ouvre vers un horizon profondément contemporain. Inspirée par le vivant, sa souplesse évoque le mouvement et le flux, là où la chaise Sénat demeure inerte dans son époque. Traversé par une volonté d’introduire un vent de jeunesse dans la conception même du produit, Sofia choisit dans un geste radical d’intégrer un embout transparent sur le piètement, complètement inédit dans l’univers du mobilier. Inspiré des roues de skateboard, celui-ci parachève un design qui souhaite s’affranchir de toute pesanteur, sans oublier ses origines. Cette réflexion est prolongée dans l’ensemble de la gamme Luxembourg, qui comprend aujourd’hui bridges, repose-pieds, bancs, tables, tout en restant dans une logique harmonieuse et une cohérence esthétique et conceptuelle. Le bridge conjugue esthétique industrielle et joyeux décalage inspiré par le jeu, dont l’accoudoir est la pièce signature. Dessiné en forme d’ailette, son assemblage audacieux donne l’impression qu’il serait enfilé sur la structure, comme une perle. Ce principe sera décliné pour la table à pied central, et deviendra central dans la cohérence visuelle et l’unité de gamme. Enfin, l’utilisation de l’aluminium parachève une vision industrielle et ergonomique de l’outdoor. Léger, résistant malléable et d’une recyclabilité infinie, ce matériau d’exception traduit une considération profonde pour la fonction première du produit, et aux services rendus par celui-ci. ## La “citation silencieuse”, un principe intemporel. Dans l’histoire du design, nombreux sont les exemples de pièces qui évoquent leurs sources historiques, et qui s’en émancipent par une forte singularité créative. Ce principe que l’on pourrait appeler la “citation silencieuse” se retrouve chez Marcel Breuer, dont la _Cesca_(1928) est inspirée de la chaise Thonet (1859), ou encore Philippe Starck et sa chaise _Ghost_(2003), relecture de la chaise à médaillon du XVIIIème siècle. Ce phénomène s’observe également dans l’automobile, avec la _New Beetle_ de Volkswagen (1998), réinterprétation de l’iconique _Coccinelle_ des années 1960 ; ou encore dans le design industriel lorsque Jonathan Ive s’inspire des radios de Dieter Rams des années 1950 pour concevoir les iPods d’Apple dans les années 2000. L’art du redesign a traversé les décennies, et Frédéric Sofia s’inscrit dans la volonté d’une sublimation de celui-ci. L’inspiration est transformée en œuvre nouvelle, et les échantillons prélevés font émerger une forme neuve et pleinement accomplie. D’un archétype né un nouveau mythe, présent aux quatres coins du monde, nouvelle icône incarnant l’art de vivre à la française. Depuis 2009, la chaise Luxembourg est intégrée à la Collection du Centre National des Arts Plastiques puis au Mobilier National en 2021. Elle est aujourd’hui la preuve que l’histoire et l’héritage peuvent s’entrelacer avec innovation et création, dans un élan émancipateur et poétique. [\\ \\ temps de lecture : 02:45](https://www.intramuros.fr/blog/jean-philippe-nuel-isle-interieure) 22/5/2026 [Jean-Philippe Nuel, Isle intérieure](https://www.intramuros.fr/blog/jean-philippe-nuel-isle-interieure) À l'Isle de Leos MGallery Collection, Jean-Philippe Nuel signe un projet profondément enraciné dans l’âme de L’Isle-sur-la-Sorgue, loin des standards interchangeables de l’hôtellerie contemporaine. Ici, le lieu se veut intime, discret, écrin entre soleil et eau, tout en restant ouvert sur l’une des plus charmantes communes provençales. Installé au cœur de cette ville provençale façonnée par l’eau, les antiquaires et une histoire artisanale dense, l’établissement revendique une forme de discrétion presque domestique. Plus qu’un hôtel, Jean-Philippe Nuel imagine ici une maison ouverte sur son territoire, un lieu où le voyageur est invité à entrer dans une atmosphère avant même de pénétrer dans une architecture. Cette approche, fidèle au vocabulaire de l’architecte et designer, repose sur une tension subtile entre sophistication et simplicité. Bois anciens, pierre, métal patiné, enduits minéraux : les matériaux semblent avoir toujours appartenu au lieu. Les bois de récupération apportent une profondeur tactile et émotionnelle, tandis que l’omniprésence de l’eau traverse le projet comme un fil narratif apaisant.  Hôtel L'Isle De Leos, Studio Jean-Philippe Nuel © Francis Amiand Chez Jean-Philippe Nuel, le luxe ne s’exprime jamais par la démonstration. Il réside plutôt dans la qualité des textures, dans la justesse des proportions, dans cette capacité rare à produire une sensation d’évidence. À l'Isle de Léos, cette écriture se nourrit également du patrimoine local : les meubles chinés dialoguent avec des pièces contemporaines dans un équilibre particulièrement maîtrisé, brouillant volontairement les frontières entre demeure et hôtel.  Hôtel L'Isle De Leos, Studio Jean-Philippe Nuel ©Francis Amiand ## **Architecture des objets** Sous une vaste verrière, le bar métallique, la cheminée provençale et la cave à vin apparaissent comme des objets architecturaux autonomes venant structurer l’espace. Ici encore, Jean-Philippe Nuel convoque la mémoire industrielle de L’Isle-sur-la-Sorgue sans jamais tomber dans le pastiche. Le métal brut du bar répond aux anciennes manufactures locales, tandis que le mur de tuiles provençales, traité comme une composition contemporaine, transforme un élément vernaculaire en geste scénographique. Cette capacité à faire dialoguer patrimoine et modernité traverse l’ensemble du projet, du restaurant dont la proximité avec la rivière et la roue à aubes invite le paysage dans l’expérience intérieure, jusqu’au plafond et ses aquarelles “Sarments” évoqueat l’univers viticole et ses rouges et noirs profonds.  Hôtel L'Isle De Leos, Studio Jean-Philippe Nuel ©Francis Amiand ## **Hospitalité sensible** Les chambres prolongent cette recherche d’une hospitalité plus sensible : les salles de bains s’ouvrent partiellement sur l’espace tandis que les vasques en pierre rappellent les éviers des maisons provençales traditionnelles. Sols rustiques, enduits texturés, commodes chinées, plans quasi-uniques, tout semble pensé pour éloigner le visiteur des codes standardisés de l’hôtellerie.  Hôtel l'Isle De Leos, Studio Jean-Philippe Nuel © Francis Amiand Inspiré des lavoirs provençaux, le spa échappe lui aussi aux clichés en développant une esthétique minérale, douce et intime, faite d’arches ouvertes, de murs en pierre sèche et d’un bassin surélevé aux larges margelles. Une manière, là encore, d’inscrire le geste architectural dans une mémoire collective locale plutôt que dans un imaginaire de luxe fantasmé. A l’image de son auteur, Jean-Philippe Nuel, une rencontre entre savoir-faire hôtelier et sensibilité, architecture intérieure préférant la sincérité culturelle à la séduction gratuite.  Hôtel l'Isle De Leos, Studio Jean-Philippe Nuel © Francis Amiand ‍ Plus d'information : [https://www.jeanphilippenuel.com/](https://www.jeanphilippenuel.com/) L'Isle de Leos MGallery Collection: [https://isledeleos.com/](https://isledeleos.com/) © 2024 INTRAMUROS. Tous droits réservés .svg)  Inscrivez-vous à notre newsletter pour recevoir chaque semaine l’actualité du design. CivilitéChoisissez une valeurMonsieurMadameSecteur d'activitéChoisissez une valeurArchitecteArchitecte d'intérieurArtisteDesignerDirecteur artistiqueÉditeur de mobilierÉtudiantGraphistePassionné / PrescripteurPresseSecteur immobilierAutreJ'accepte de recevoir la newsletter Intramuros Paris & The ODP Letter\* \*Vous pouvez vous désinscrire à tout moment en cliquant sur le lien présent dans nos emails. 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